The Delgados – Coming in it from the Cold
Este tema es la perfección pop absoluta, de esas canciones que se crean solamente un par por década. Desde la intro, cada instrumento, pequeño arreglo y hasta el fracturadísimo e inesperado puente calzan genialmente. Y obviamente esa melodía del estribillo, al borde de ser demasiado linda, y que se pega en nuestro cerebro cual vil garrapata.
La semana pasada estuve escuchando este tema, en loop constante, como 4 días y lo conseguí por cortesía del blog Hoy Comí Sandía, que armo un muy lindo compilado de 8 temas de The Delgados. Y si, todavía me sigo dando la cabeza contra la pared por no haberlos escuchado antes.
The B52’s – 52 Girls
Generalmente decir «ya se! voy a armar una banda igual a [insertar otra banda aquí]» es una muy mala idea, pero uno de los pocos casos donde seria algo genial, seria que a alguien se le ocurra armar una banda como B52’s. Y es que no, no existe ninguna.
Escucho muy poco B52’s, pero cuando lo escucho, en los temas que me gustan, me parecen la banda con más onda del mundo. Es que, entre otras cosas, la base ritmica de bateria y guitarra es ridículamente buena, el batero tocando de una forma sencillisima pero super efectiva y metrica perfecta, y el guitarrista – que hace también de ‘bajista’ – y toca de una forma única , con solo 4 cuerdas en la guitarra, sacando las del medio, y fuciona yeites de surf y punk. Sobre eso, teclados chillones, las chicas cantando y harmonizando y Fred Schneider con su voz seca y look de pornostar anticuado. Pensandolo asi, es lógico que no haya habido una banda como B-52s, son demasiado particulares, pero porque no hay más bandas bebiendo de sus fuentes? Que los reemplaza ahora? El Electroclash? Oh my god, where the world is going to.
Portishead – It could be sweet
Escuchar los discos de Portishead ahora es sorpendente. Uno los va a escuchar aterrorizado, de escuchar un disco de más de diez años, que junto con 2 o 3 discos más fundaron todo un género, esperandose algo completamente pasado de moda y que apesta a 90s. Pero no. O sea, puede recordarte a miles de bandas feas chillout y lounge que los afanaron hasta la muerte, pero lo de Portishead me suena extrañamente atemporal. Y es que eran increíblemente buenos. Generaron un clima sonoro nuevo y único, utilizando una técnica nueva, y que al mismo tiempo se combinaban con la voz de Beth Gibbons que le da un toque clásico y anticuado a todo.
Recuerdo que tenia un cassette con ambos discos, en el lado A el Dummy y en el B, el Portishead. Siempre preferí este – aunque el segundo tiene mejores temas, pero es más hostil, siempre lo encontre más amargo y puramente depresivo, mientras el Dummy es mas, digamos, simplemente melancólico – y en particular siempre me gusto mucho este tema, que no es ni un single y es más bien un tema de relleno, pero me parece que es perfecto en su ligera amabilidad. Son unos acordes de Rhodes repitiendose sobre el hartazgo, una maquina de ritmos, un par de samples y nada más. Obviamente, nunca parece que falte nada, y toda la dinamica se la dan la maquina de ritmos y la voz, que entran y salen en los momentos justos. Mi momento favorito, cuando Beth canta la última linea («it could be sweet») y se puede escuchar una pequeña respiración al final.
Hace ya bastante tiempo que vengo escuchando música irlandesa en exceso, especialmente a los Pogues y a los Dubliners, a veces un poco de los Clancy Brothers o Luke Kelly o algo que encuentre por ahí, pero esas dos bandas llegaron a ser por momentos casi lo único que escuchaba. A la banda liderada por Shane McGowan llegué hace mucho y ya no recuerdo como, a los Dubliners llegué hace poco y a través los Pogues, ante el hecho de que cada vez más los temás que más me gustaban de ellos eran sus versiones de baladas tradicionales así que era hora de indagar más.
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No puedo decir que tiene de diferente la música tradicional irlandesa a cualquier otra música tradicional europea, pero está claro que algo tiene. La música tradicional irlandesa mantuvo a lo largo de todo el s.XX y hasta hoy en día una popularidad insólita para cualquier otra música tradicional. Los Pogues son el mejor ejemplo de esto. ¿En qué otro país a principios de los 80s era imaginable una banda de corte punk que hace música tradicional en vez de negarla? Sí, ya sé, están los Cramps y Social Distortion, pero no cuentan porque, primero, aggiornaron totalmente las influencias que adoptaron del blues, el country y el rockabilly, y segundo, esos géneros están en las raíces mismas del rock, por lo que no están mezclando agua y aceite sino más bien teniendo consciencia histórica de la música que hacen. El camino del folk irlandés en cambio no se cruzó jamás antes con el del rock y los Pogues sí estaban haciendo algo inimaginable. Algunas bandas británicas antes habían mostrado tener influencias folk, pero los Pogues no se quedaban ahí, ellos eran prácticamente una banda folk. Existe un salto generacional entre los Pogues y otras bandas folk irlandesas, un salto generacional que incluye la influencia del punk y de ahí la energía desaforada de su música y sus versiones, pero nada más. Si los Pogues se hubiesen formado en los 60s serían los Dubliners; si los Dubliners se hubieran formado en los 80s serían los Pogues. El primer disco de los Pogues, Red Roses for Me, tiene catorce canciones, siete son de ellos, siete son tradicionales. Todo dicho.
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Los Pogues fueron la primera banda en hacer eso pero no fueron la última. Toda una camada de bandas surgió bajo el título creado ad hoc de celtic punk, perpetuando así la tradición musical irlandesa dentro del rock. Pero esto no debería sorprender a nadie, menos a cualquiera que esté familiarizado con esta música. Las baladas irlandesas tienen una vigencia sorprendente. Son bajo cualquier punto de vista indiscutiblemente conmovedoras en el sentido más amplio de la palabra. Desafío a cualquiera a no sentirse conmovido por «I’m a Man You Don’t Meet Every Day» o «The Leaving of Liverpool» o a no dejarse invadir por la euforia con «Waxie’s Dargle». En cualquier lugar donde haya un bar, whisky y cerveza canciones como «The Wild Rover» son locales y la tristeza demesurada de «And the Band Played Waltzing Matilda» es demasiado fuerte como para envejecer jamás (hay que aclarar que aunque esta canción tenga gran presencia en el cancionero irlandés es en realidad australiana, no se cual es la razon de que los irlandeses la hayan adoptado como lo hicieron pero no es muy difícil ver la filiación espiritual entre irlandeses y australianos, otros hijos bastardos del Reino Unido). ¿Cuánto cuesta verse a sí mismo cantando cualquiera de estas canciones durante alguna borrachera? Tampoco me cuesta mucho imaginarme a más de un irlandés identificándose con un himno antibritánico como «The Recruiting Sergeant» y con eso de «Let the englishman fight english wars». Entonces, ¿son los punks irlandeses extrañamente respetuosos de su tradición o es que Irlanda siempre fue punk? Prefiero la segunda.
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Lo que decía arriba de que la música irlandesa se mantiene como la mejor para cantar a los gritos durante borracheras es cierto por el hecho de que pocas músicas se prestan tanto al sing-along. No entiendo mucho de música técnicamente pero no cuesta mucho ver en la música varias razones que causan ese efecto. Salvo algunas canciones instrumentales que existen en el irish songbook, las baladas están siempre centradas en la voz y la música es apenas un acompañamiento, siguiendo una línea baladística tradicional que se extiende desde el medioevo y que se mantuvo imperturbable en la música irlandesa. Digamos que todas las canciones son algo así como temas a capella con música. La música se mantiene casi invariable a lo largo de las canciones, con ritmo simples, los instrumentos tocados siempre al unísono, percusión de marcha militar o ninguna percusión en absoluto y foco en la melodía. Así, la música pasa por momentos tan desapercibida y esa impresión de a capella con música es tan fuerte que las primeras veces que escuché «Monto» de los Dubliners no me di cuenta que esa canción sí es efectivamente a capella.
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Iba a ilustrar este post con algunos temas y algunos videos pero al final me pareció mejor hacerlo con un compilado porque estoy totalmente convencido de que toda oportunidad para hacer un mixtape (un mixcd en realidad, lo cual tiene mucha mucha menos gracia) debe ser aprovechada. El único criterio para la elección de los temas fue cuales son los que más estuve escuchando y el compilado no pretende ser nada más que un resumen de mi escucha musical en el último par de meses y por eso es que faltan algunos clásicos pero incluí canciones menos notables, por eso no está «Fairytale of New York» pero está «Boys from County Hell», por ejemplo. Casi todas las canciones incluidas son temas tradicionales salvo por un par de los Pogues que si existe justicia en este mundo el tiempo las tendría que convertir en baladas tradicionales también.
1.The Dubliners – Monto
2.The Pogues – Waxie’s Dargle
3.The Dubliners – All For Me Grog
4.The Dubliners – I’ll Tell Me Ma
5.The Pogues and The Dubliners – Rare Old Mountain Dew
6.The Dubliners – The Rocky Road to Dublin
7.The Pogues – Medley (The Recruiting Sergeant/The Rocky Road to Dublin/The Galway Races)
8.The Dubliners – McAlpine’s Fusiliers
9.The Dubliners – Dirty Old Town
10.The Pogues – South Australia
11.The Pogues and The Dubliners – The Irish Rover
12.The Pogues – Boys from County Hell
13.The Dubliners – I’m a Man You Don’t Meet Every Day
14.The Dubliners – I’m Asking Sergeant Where’s Mine
15.The Pogues – A Rainy Night in Soho
16.The Pogues – The Leaving of Liverpool
17.The Pogues – If I Should Frall from Grace with God
18.The Pogues – The Sunnyside of the Street
19.The Dubliners – Peggy Lettermore
20.The Pogues – Streams of Whiskey
21.The Pogues – Whiskey You’re the Devil
22.The Pogues – Sally MacLennane
23.The Dubliners – Whiskey in the Jar
24.The Pogues – The Band Played Waltzing Matilda
25.The Pogues – The Wild Rover
Desde los comienzos de la música pop, la producción de los discos siempre ha sido una muy importante herramienta en el proceso creativo. Desde los trabajos de George Martin y Brian Wilson, es obvio poder visualizar como el estudio puede ser utilizado como un instrumento más, o más bien como una manta que cubre toda una grabación y le puede dar otro significado a una canción o un álbum en particular.
Recordemos un par de discos clásicos. El PsychoCandy de Jesus and Mary Chain, por ejemplo, no seria el mismo disco si no sonára así. Incluso he escuchado comentar que fue grabado así por equivocación (mvc en este momento diria «aguante el error!!») , al ser un disco compuesto en acústicas, entraron al estudio con sus guitarras, pusieron distorsion y todo se fue a la mierda. Ni idea si fue exactamente así o no, pero lo que estamos seguros es que ese muro de distorsión que generaron fue algo nuevo y que cambiaba el concepto de las canciones.
Otro ejemplo es el Flowers of Romance, de Public Image Ltd. El disco es pura bateria, no tenia bajo (ya que habian hechado al genial Jah Wobble) y el guitarrista toco las baterias. Primero grabaron las baterias y desde ahi armaron todo el disco. El sonido de las baterias era tan, tan genial, que basaron todo el álbum en eso, dando una sensación muuy rara, muy tribal y alienante, donde por largas partes del disco uno solo escucha la bateria constante y machacante.
Y de aqui llegamos al Sr. Chinarro, proyecto español indie del cantante Antonio Luque. Había escuchado un álbum y me habia agradado mucho, pero quede completamente descolocado al escuchar su disco más experimental, «La primera Ópera envasada al vacío». Cosa extraña, ya que no me la esperaba de una banda como esta, más bien influencada por The Smiths y que venia de la escena española que, aunque tiene un puñado de grandes bandas, estas no se destacan particularmente por descubrir la pólvora e innovar sónicamente.
Apenas damos play y arranca el 1er tema, lo primero que escuchamos es una bateria podrida, llena de ambiente y sucia. Y es que, al igual que el Flowers of Romance, «La primera Ópera..» es un disco basado en la bateria, donde todos los temas arrancan con la bateria, y esta se mantiene constante en todos los temas hasta cortarse abruptamente. sobre la base de bateria constante y repetitiva, que parece que fue grabada en plan «apreto REC y tocas lo que quieras, vale?», se agregan guitarras acusticas, cuerdas y la voz susurrada de Luque. Los platos y los cortes de batería entran sin mucho criterio lo cual le da un efecto bastante perturbador e incómodo. Este patrón de bateria constante y con ese sonido tan particular en todos los temas le da al disco tambien una sensación de obra bastante conceptual, además de que los temas estan todos unidos y los temas en general, son todos tristísimos.
El tema estandarte del disco es la monstruosa ‘Falta’, de 9 minutos de duración donde la percusión tercamente se encuentra solo en el canal izquierdo, y una acustica aislada en el derecho, y en el medio un mar de guitarras electricas y cuerdas que se extienden y oscilan durante la duración del tema. Termina y deja espacio a «Merche», probablemente el tema más pop y accesible (en su medida del disco) y termina ahi el viaje de este disco, que dura – como tiene que durar cualquier disco – menos de 40 minutos.
PD: A pedido del público:
Sr. Chinarro – La Primera Ópera Envasada al Vacío
Diseccionando Lover´s Spit
Broken Social Scene – Lover’s Spit
Este post arranca mal parido porque habla de un tema del cual ya se ha escrito muy bien hace un tiempo. El post ‘mirando canciones’ sobre Lover´s Spit (tema de Broken Social Scene) es, sin pensarlo mucho, mi texto favorito en todo Fuck You Tiger. Entonces, ¿Para que escribir más? No se, quizas por simple necesidad o por hacer unas addendas más músicales que líricas.
Pero en fin, primero lean el post en FYT y luego, si quieren, puedan leer este.
· La relación que tuve con Lover’s Spit, y con el post de Benito fueron bastante curiosas, por lo siguiente: Escuche el ‘You forgot it in people’ el año que salió (2002, o quizas en el 2003) pero la versión que descargue, por alguna incomprensible razón, tenia todos los temas menos Lover’s spit. Luego lei el post y me parecio raro que hablase de un tema que, efectivamente, para mi no existia. En particular es un tema bastante raro en el disco que lo podrias sacar del álbum y el disco quedaria quizas mas coherente (y tambien más monotono) asi que, unos años despues, recien lo baje el tema ese, solo, y lo agregue al álbum. Desde ahi lo fui escuchando bastantes veces, pero en si, luego de haber leido el post – lo cual seguramente me haya cambiado su perspectiva.
· En el post de Benito se dedica más bien a mirar la letra, y ver un posible analisis con respecto al paso de la edad, el amor, y el aceptar en si el «contemplar el acto amoroso sin los filtros románticos de la mirada adolescente». Al final del post, se considera que quizas la canción no este tan opuesto musicalmente con la idea músical.
· Músicalmente no se me ocurre mucha cosa que suene como esta canción. Tiene ese aire ligeramente etéreo y ‘shoegaze'(como odio ese termino últimamente) aunque al mismo tiempo no intenta llenarte con capas y capas de sonidos. Utilizan muy creativamente el elemento del ruido blanco (para los no-nerds musicales: el ruido que hace la tele, o una catarata, o sea, fshhhhh) en la intro y en el resto, pero sin usarlo implicitamente – Utilizan teclados con bastantes frecuencias agudas, y los platos que estan procesados para que suenen como un siseo constante y ondulante.
· Al final del tema, si se puede sentir una maraña de instrumentos, incluyendo algunos vientos (las bandas tienen que animarse más a usar vientos!), arreglos simplísimos de guitarra y piano, y ruidos de sintetizadores e interferencia, todo en un drone constante sobre una sola nota que dura más unos 2 minutos. Se puede escuchar muchas influencias, desde canciones de pop ligeramente soul de los 80s (como se menciono en el otro post), shoegaze y noise, y electrónica, pero creando una forma nueva (para los que decian que en los 00s ya no se podia inventar nada)
· Y sobre todo esto, el tema no puede ser más sencillo. Son 3 acordes. Prácticamente no tiene estribillo. La coda del tema es solo el mantener uno de los acordes al infinito. La versión en el beehives del mismo tema (cantada por Feist, y bastante más despojada) demuestra lo básico que es. Pero igual suena enorme, quizas sea la velocidad, y la duración, y la forma de cantarlo.
· Aunque la letra si tiene sus partes duras (‘giving head’ y la expresión de escupir, spit, en cualquier cultura, sigue siendo durísima) la canción (musicalmente hablando) me parece increiblemente adecuada con el concepto de la letra, tanto si fuese la interpretación de Benito como una más libre, una que toma las ideas por separadas y las lineas («take some hands and get used to it» «you know it´s time that we grow up and do some shit» «i like it all that way»). Lover’s Spit es – para mi, y músicalmente – una canción de renuncia, donde se abandona un mundo, una realidad, quizas forzadamente, por pura realidad, y se tiene que aceptar el mundo nuevo y duro. Es la imágen de cuando uno acepta que las cosas tienen que ser asi porque si, y abraza esa realidad con esperanza, convencimiento y un tristeza.
· Sobre esa manta tan leve y grande a la vez, psicodelica y onírica, esta esa letra. ¿Que más se le puede pedir a una canción? No es la combinación más natural, pero para mi no puede ser más perfecta.