Hace ya bastante tiempo que vengo escuchando música irlandesa en exceso, especialmente a los Pogues y a los Dubliners, a veces un poco de los Clancy Brothers o Luke Kelly o algo que encuentre por ahí, pero esas dos bandas llegaron a ser por momentos casi lo único que escuchaba. A la banda liderada por Shane McGowan llegué hace mucho y ya no recuerdo como, a los Dubliners llegué hace poco y a través los Pogues, ante el hecho de que cada vez más los temás que más me gustaban de ellos eran sus versiones de baladas tradicionales así que era hora de indagar más.

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No puedo decir que tiene de diferente la música tradicional irlandesa a cualquier otra música tradicional europea, pero está claro que algo tiene. La música tradicional irlandesa mantuvo a lo largo de todo el s.XX y hasta hoy en día una popularidad insólita para cualquier otra música tradicional. Los Pogues son el mejor ejemplo de esto. ¿En qué otro país a principios de los 80s era imaginable una banda de corte punk que hace música tradicional en vez de negarla? Sí, ya sé, están los Cramps y Social Distortion, pero no cuentan porque, primero, aggiornaron totalmente las influencias que adoptaron del blues, el country y el rockabilly, y segundo, esos géneros están en las raíces mismas del rock, por lo que no están mezclando agua y aceite sino más bien teniendo consciencia histórica de la música que hacen. El camino del folk irlandés en cambio no se cruzó jamás antes con el del rock y los Pogues sí estaban haciendo algo inimaginable. Algunas bandas británicas antes habían mostrado tener influencias folk, pero los Pogues no se quedaban ahí, ellos eran prácticamente una banda folk. Existe un salto generacional entre los Pogues y otras bandas folk irlandesas, un salto generacional que incluye la influencia del punk y de ahí la energía desaforada de su música y sus versiones, pero nada más. Si los Pogues se hubiesen formado en los 60s serían los Dubliners; si los Dubliners se hubieran formado en los 80s serían los Pogues. El primer disco de los Pogues, Red Roses for Me, tiene catorce canciones, siete son de ellos, siete son tradicionales. Todo dicho.

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Los Pogues fueron la primera banda en hacer eso pero no fueron la última. Toda una camada de bandas surgió bajo el título creado ad hoc de celtic punk, perpetuando así la tradición musical irlandesa dentro del rock. Pero esto no debería sorprender a nadie, menos a cualquiera que esté familiarizado con esta música. Las baladas irlandesas tienen una vigencia sorprendente. Son bajo cualquier punto de vista indiscutiblemente conmovedoras en el sentido más amplio de la palabra. Desafío a cualquiera a no sentirse conmovido por «I’m a Man You Don’t Meet Every Day» o «The Leaving of Liverpool» o a no dejarse invadir por la euforia con «Waxie’s Dargle». En cualquier lugar donde haya un bar, whisky y cerveza canciones como «The Wild Rover» son locales y la tristeza demesurada de «And the Band Played Waltzing Matilda» es demasiado fuerte como para envejecer jamás (hay que aclarar que aunque esta canción tenga gran presencia en el cancionero irlandés es en realidad australiana, no se cual es la razon de que los irlandeses la hayan adoptado como lo hicieron pero no es muy difícil ver la filiación espiritual entre irlandeses y australianos, otros hijos bastardos del Reino Unido). ¿Cuánto cuesta verse a sí mismo cantando cualquiera de estas canciones durante alguna borrachera? Tampoco me cuesta mucho imaginarme a más de un irlandés identificándose con un himno antibritánico como «The Recruiting Sergeant» y con eso de «Let the englishman fight english wars». Entonces, ¿son los punks irlandeses extrañamente respetuosos de su tradición o es que Irlanda siempre fue punk? Prefiero la segunda.

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Lo que decía arriba de que la música irlandesa se mantiene como la mejor para cantar a los gritos durante borracheras es cierto por el hecho de que pocas músicas se prestan tanto al sing-along. No entiendo mucho de música técnicamente pero no cuesta mucho ver en la música varias razones que causan ese efecto. Salvo algunas canciones instrumentales que existen en el irish songbook, las baladas están siempre centradas en la voz y la música es apenas un acompañamiento, siguiendo una línea baladística tradicional que se extiende desde el medioevo y que se mantuvo imperturbable en la música irlandesa. Digamos que todas las canciones son algo así como temas a capella con música. La música se mantiene casi invariable a lo largo de las canciones, con ritmo simples, los instrumentos tocados siempre al unísono, percusión de marcha militar o ninguna percusión en absoluto y foco en la melodía. Así, la música pasa por momentos tan desapercibida y esa impresión de a capella con música es tan fuerte que las primeras veces que escuché «Monto» de los Dubliners no me di cuenta que esa canción sí es efectivamente a capella.

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Iba a ilustrar este post con algunos temas y algunos videos pero al final me pareció mejor hacerlo con un compilado porque estoy totalmente convencido de que toda oportunidad para hacer un mixtape (un mixcd en realidad, lo cual tiene mucha mucha menos gracia) debe ser aprovechada. El único criterio para la elección de los temas fue cuales son los que más estuve escuchando y el compilado no pretende ser nada más que un resumen de mi escucha musical en el último par de meses y por eso es que faltan algunos clásicos pero incluí canciones menos notables, por eso no está «Fairytale of New York» pero está «Boys from County Hell», por ejemplo. Casi todas las canciones incluidas son temas tradicionales salvo por un par de los Pogues que si existe justicia en este mundo el tiempo las tendría que convertir en baladas tradicionales también.

Erin Go Bra!

1.The Dubliners – Monto
2.The Pogues – Waxie’s Dargle
3.The Dubliners – All For Me Grog
4.The Dubliners – I’ll Tell Me Ma
5.The Pogues and The Dubliners – Rare Old Mountain Dew
6.The Dubliners – The Rocky Road to Dublin
7.The Pogues – Medley (The Recruiting Sergeant/The Rocky Road to Dublin/The Galway Races)
8.The Dubliners – McAlpine’s Fusiliers
9.The Dubliners – Dirty Old Town
10.The Pogues – South Australia
11.The Pogues and The Dubliners – The Irish Rover
12.The Pogues – Boys from County Hell
13.The Dubliners – I’m a Man You Don’t Meet Every Day
14.The Dubliners – I’m Asking Sergeant Where’s Mine
15.The Pogues – A Rainy Night in Soho
16.The Pogues – The Leaving of Liverpool
17.The Pogues – If I Should Frall from Grace with God
18.The Pogues – The Sunnyside of the Street
19.The Dubliners – Peggy Lettermore
20.The Pogues – Streams of Whiskey
21.The Pogues – Whiskey You’re the Devil
22.The Pogues – Sally MacLennane
23.The Dubliners – Whiskey in the Jar
24.The Pogues – The Band Played Waltzing Matilda
25.The Pogues – The Wild Rover


Everything Sucks, We’re All Gonna Die, Yadda, Yadda, Yadda


¡Oye Esteban! dice:
viste que bien el disco de sophie ellis bextor?

zeitgeist dice:
esta muy bien el disco de sophie, si si

¡Oye Esteban! dice:
viste que bien sophie ellis bextor? que bien que esta

zeitgeist dice:
al fin te oigo diciendo algo bueno de un disco!
hay esperanza
jajaja

¡Oye Esteban! dice:
si es verdad
ojo tampoco me gusto tanto, eh?

zeitgeist dice:
JAJAJAJA

¡Oye Esteban! dice:
bah me and my imagination es un temazo
ese, el primero del disco de jesu…
el hit de kaiser chiefs es intrascendente pero simpatico
un par de temas del de patrick wolf, otro par del de arcade fire
mas o menos asi viene mi año

zeitgeist dice:
miguel esta loco con arcade fire

¡Oye Esteban! dice:
si
a mi me parece que no es para tanto
ojo se viene la gran decepcion del disco de interpol en estos dias tambien

zeitgeist dice:
jajajajaja
no podes estar esperando «la gran decepcion del disco»
esteban, sos tremendo!
y la fe, esteban!?

¡Oye Esteban! dice:
no se
ojala que este bueno
pero el anticipo no llamaba mucho
ponele el anticipo del disco anterior fue slow hands, creo. que estaba bien
este tiraron ese heinrich maneuver
que yo espero que sea uno de esos temas feos que ponen al principio del disco la verdad


Mother Fist and her Five Daughters

Algunas razones por las que deberían bajar ese disco de Marc Almond que pusimos para bajar en el post número 100 si todavía no lo hicieron.

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1-
No creo que Marc Almond conozca siquiera los conceptos de canción de amor o de canción feliz. Marc Almond es todo sobre lujuria, hipersexualidad, afectación, miseria, drama y decadencia en tono invitante. En este disco todo eso está notablemente acentuado por la influencia del cabaret que Almond lleva hasta el punto de lograr uno de los sonidos más seductores y el disco con la atmósfera más decadente que uno se pueda imaginar. Casi te podés imaginar a Almond cantándolo acostado arriba de un piano (espero que esa imagen no los haga dejar de bajar el disco).

2- Arriba usé el término hipersexualidad y es un término bastante apropiado para un disco cuyo nombre es una sutil referencia a la mastubación y que abre con una canción homenajeando dicha actividad. «Mother Fist never gets angry/ Mother Fist she never gets bored/ I don’t have to feed her/ I just have to need her» canta Almond en «Mother Fist». Un par de temas más adelante fantasea con enfiestarse con un par de actores porno en su homenaje al ícono gay Judy Garland «Saint Judy». «Now I had a dream/ Well, more a fantasy/ Kip Noll, John Holmes and me/ All in bed we were going O.T.T./ What a sight to see«.

3- «Melacholy Rose» podría haber estado en el Non-Stop Erotic Cabaret y haber sido de los mejores temas del disco. El «¿Cómo puede no haber sido un hit?» que todo disco subestimado necesita tener. La siguen de cerca en esta categoría «The River» y «Ruby Red», que ni siquiera el escándalo de su video increiblemente gay y prohibido en UK logró convertir en un hit. Tampoco era para tanto, no llega a ser el video de «Sex Dwarf» (cosa que podrían comprobar ustedes mismos si no hubiesen bajado el video de Youtube).

4- «Saint Judy» no es solo el mejor ejemplo de esa sexualidad over-the-top que mencionaba en el segundo punto, también es el mejor ejemplo del primero. El homenaje de Almond a Garland sería obsceno aún si fuera instrumental. Lentitud exhasperante, pianos fantasmagóricos y escalofriantes, vientos sórdidos y vulgares. Una oda a la decadencia y a los últimos días de la diva. La atmósfera de cabaret de la canción es húmeda y densa. Una canción que pertenece a ese tipo de cosas moralmente reprochables que uno quiere que terminen tanto como quiere que sigan.

5- Es Marc Almond, eso tendría que ser razón suficiente por sí sola.


Sing Me Spanish Pop! (je)

La semana pasada me puse un objetivo relativamente excéntrico: Iba a escuchar casi-exclusivamente música cantada en español. Gracias a las virtudes de last.fm, tendria una prueba de ello, y salió bastante bien.

A continuación, algunas palabras sobre algunos de estos artistas – particularmente algunos que nunca antes habia escuchado, o no les habia prestado mucha atención.

Victoria Mil : Me arrepiento mucho de la vez que me los perdi en vivo hace ya unos años, porque hubiera cambiado quizas un poco algunas visiones que tenia sobre la música en esa época. Aunque esta en el Top1, más que nada es por el abotonamiento que tuve con G-13 que me pareció un tema completamente increíble. La voz me sigue costando bastante de a ratos , pero lo que me parece más valioso de ellos es como son una banda electrónica sin que se note, y crean lo suyo propio (la única banda que a la cual me puede recordar un poco es a los inclasificables Travesti).

La Buena Vida : De La Buena Vida lo que me consegui fue más bien un compilado casero de singles de varios discos. Me gustaron, aunque me parecieron un poco planos y varios de sus hits muy iguales. Curiosamente, en el género demasiado amplio del «indie-pop español» mis temas favoritos son los que son realmente tristes y para abajo, comparado con el ideal del estilo de tema para andar en bicicleta para merendar con tus mejores amigos. El tema que más me gusto fue sin dudas «Magnesia».

Kiko Veneno : Esta fue LA Revelación de la semana (me refiero al disco que me consegui, «esta muy bien eso del cariño»). a Kiko es sin duda a quien más escuche, el que me parecio mas refrescante y más diferente a lo que nosotros, oh estúpidos niños indies, solemos escuchar. Aunque costo levemente romper algunos prejuicios como la producción tan ‘impecable’ (en el mal sentido), y los músicos sesionistas, los solos de saxo y guitarra, el disco es un puñado de canciones muy buenas y sinceras, que fusiona rock y pop inclasificable con flamenco y otras raíces españolas. Las letras estan llenas de buenas ideas, desde el nombre del disco a frases como «ahora me quieres un 15% menos», o la extrañísima version flamenco de stuck inside of mobile with the memphis blues again («encerrado con el blues de memphis sin poder salir!»), y la balada penúltima del disco, «La casa cuartel».

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Sr. Chinarro : Bueno, sobre ellos (o Luque, como quieran) ya hable en este post.

Daniel Melero : Nada nuevo aquí. El ‘Travesti’ me sigue pareciendo un discazo y un disco único en la música rioplatense (espero que esto sea por ignorancia, y no un hecho). Tambien consegui el piano que me resulto muy bueno.

Astrud : Lo mismo. Una de mis bandas más escuchadas de los últimos 6 meses. Es fascinante como – y esto es más real en el último disco – cada tema es basicamente una idea, explotada hasta el hartazgo. Uno incluso puede ver el nombre del tema y escuchar las primeras lineas y ya sabe como va a ser el resto del tema, pero eso no le quita que sean geniales.

Nacho Vegas : Me apropié del ‘Desaparezca aquí’ y me gusto bastante, aunque me resulto un poco monoclimático al final. ‘El hombre que casi conoció a Michi Panero’ es un hit obvio, y el resto esta muy bien, pero me gusta más el lado folk tranquilo que el arena-rock que me recordó un poco a Morrisey. Descargaré otros discos a ver que tal.

Niza : de niza conocia un tema de ellos de un compilado de Elefant (‘verano del 99’). El tema tambien se llamaba Niza y era una melancólica cancion indie-pop con maquina de ritmos cutre que funcionaba genialmente. Siempre quize bajarme su álbum propiamente dicho y me olvidaba hasta que la semana pasada consegui el ‘Canciones de temporada’. Es un disco absolutamente hiperbólico y podria ser considerado The Ultimate Indie-Pop Album. La producción (de la cual esta a cargo St. Ettiene) es impecable y tiene todos los clichés del género posible. Trompetas y cuerdas 60s? Check. «laralas» y «pa-pararas»? Check. Tecladitos de juguete y maquinas de ritmos? Check. Acústicas bonitas? Check. Voces ridiculamente delicadas y coros masculinos torpes? Check!
Obviamente es un disco que le puede causar grandes ataques de diarreas a muchas personas, pero de a ratos, me puede. Son tambien muy buenos en hacer pop tristísimo, y pop felicísimo, como el tema que abre el disco que tiene la frase más melosa en la historia de la música contemporánea: «y si te necesito / y si quiero tus mismos / solo tengo que hacer Chup! / y apareces tú»

Mateo y Cabrera : Ya hable sobre un tema en particular hace no mucho tiempo. El disco este es buenísimo y espero que siga oscilando en la playlist por los próximos meses. Y es jodida la voz de Mateo, eh.

Gepe : Esta bueno lo que Gepe hace, pero inevitablemente me parecio demasiaaado lindo y demasiaado tranquilo. Tiene una gran voz y la instrumentación es muy buena, pero no se si es para escuchar un disco entero. Lo que si me cautivó, es un pequeño comentario que hizo en una entrevista que lei sobre el: «Yo escribo letras para sentirme un poco más inteligente en la vida».


La Canción de Amor Robótica

Para mí (y esto habla mas de mi perversa configuración psíquica que de otra cosa) desde el mismo momento en que se popularizaron los sintetizadores y abrieron un campo nuevo a la “música rock”, también abrieron la puerta a todo un “imaginario robótica” que ligaba, de una manera muy similar al cyberpunk o Ballard, lo erótico a lo artificial, lo mecánico, lo cibernético. Yo siempre creí que la música pop es el vehículo ideal para las historias de amor, así que, ¿porque no podíamos amar a los androides?.

Kraftwerk – The Model
Cualquier análisis de la Canción de Amor Robótica, tiene necesariamente que comenzar con Kraftwerk, los hombres robots originales. La Alemania Occidental post segunda guerra era un territorio extraño. Tierra de nadie, pedazo de un país al que no se le permitía existir, que encima debía cargar con una enorme vergüenza y, durante un tiempo con una verdadera asepsia con el pasado, borrón y cuenta nueva, como una ola de anti materia. No es casual entonces que de ahí salga Kraftwerk: eficiencia puesta al servicio del progreso, pulcritud y limpieza, grandes odas a las autopistas, los robots, las estaciones espaciales. Capitalismo alemán: frialdad y productividad.
Es difícil encontrar en las canciones de Kraftwerk un rastro de humanidad (o de preocupaciones humanas) y “The Model” no es la excepción. Una canción que más que de amor es voyeuristica, preocupada por un objeto de deseo ideal e inalcanzable. Pero, esa modelo es un autómata, un robot que repite los movimientos que la cámara y las convenciones le dictan que debe realizar. Es un robot, en definitiva.
La manera desapasionada en que el narrador canta sobre su obsesión con este objeto plástico, reforzada por la monótona repetición de los sintetizadores, solo revela lo inevitable: el narrador también es un robot y su obsesión por la modelo no se acerca jamás al amor de los humanos sino que es automatizado, eficiente, aburrido. Robótica.
Lo genial de Kraftwerk en esta canción es que transforman la obsesión y el deseo en piezas de computadora, en acciones repetitivas y circulares. Lo que la transforma en una expresión perfecta del amor cibernético. O una anti canción de amor humano.

She’s a model and she’s looking good
I’d like to take her home that’s understood
She plays hard to get, she smiles from time to time
It only takes a camera to change her mind

She’s going out tonight, loves drinking just champagne
And she has been checking nearly all the men
She’s playing her game and you can hear them say
She is looking good, for beauty we will pay

She’s posing for consumer products now and then
For every camera she gives the best she can
I saw her on the cover of a magazine
Now she’s a big success, I want to meet her again

Gary Numan – Are “Friends” Electric?
Gary Numan reemplaza la eficiencia alemana e industrial de Kraftwerk por paranoia. Hey! es post punk! son finales de los setenta!. No se puede confiar en nadie!. Además todos estuvimos leyendo a Philip K. Dick y tomando ácido.
Lo que consigue Numan es unir, de una manera maravillosa, una paranoia general contra todo el mundo aumentada por una situación de vulnerabilidad personal. El narrador esta triste, como en toda canción de amor, porque ha sido abandonado, pero, evidentemente, esta un poco loco. Ve hombres de negro y siente golpes en la puerta. Es la paranoia de la gran ciudad y la paranoia de estar completamente solo, sin support system que te mantenga. Al mismo tiempo, las líneas de sintetizador que al principio parecen alegres y saltarinas, se revelan amenazadoras, con un efecto lacerante similar a la música de Psicosis.
Finalmente, el narrador pregunta “But are friends electric? / Only mine’s broke down / and now I’ve no-one to love”. Y la voz revela un cansancio tremendo, una desolación incontenible. Paranoia una vez mas: ¿son los amigos eléctricos?, ¿podría ser que estuve… AMANDO A UN ROBOT? (Dick, una vez mas). Pero al mismo tiempo: ¿porque las personas no son como robots y responden a como quiero que se comporten?, ¿acaso no tienen programación? La alusión a que “se rompió” es fantástica porque incorpora plenamente la delusión del narrador: no hay manera de incorporar su objeto de deseo al plano de las relaciones humanas reales, es un autómata cuyas tuercas se han oxidado. Incluso la última estrofa suena mas bien a la aceptación tranquila de una situación irreversible (no existen piezas de repuesto) que a un llamado desesperado de ayuda.

It’s cold outside
And the paint’s peeling off of my walls
There’s a man outside
In a long coat, grey hat, smoking a cigarette

Now the light fades out
And I wonder what I’m doing
In a room like this
There’s a knock on the door
And just for a second I thought
I remembered you

So now I’m alone
Now I can think for myself
About our little deals
And Issues
And things that I just don’t understand
But I told a white lie that night
I lost my touch at times
I don’t think it mean anything to you

So I open the door
It’s the friend that I’d left in the hallway
‘Please sit down’
A candlelit shadow on a wall near the bed

You know I hate to ask
But are friends electric?
Only mine’s broke down
And now I’ve no-one to love

So I found out your reasons
For the phone calls and smiles
And it hurts
And I’m lonely
And I should never have tried
And I missed you tonight
Still it’s time to leave
You see you meant everything to me

Add N To (X) – Metal Fingers In My Body.
Bueno, aquí quizás este haciendo trampa, porque esto no es precisamente una canción de amor, sino una canción sexual. Yo se que esto va a sonar raro, pero para mi Add N To (X) son el equivalente robótico y sintetizado de cosas como los Rolling Stones de la mejor época y la Jon Spencer Blues Explosion. Una banda que suda sexualidad, que chorrea actitud de puro rock, a pesar de no usar una puta guitarra. Ann Shenton ya era una sex symbol antes que Beth Ditto.
Y esta canción, particularmente, es pura lujuria automatizada. Es “Satisfaction” tocada por robots armados con artefactos domésticos. Así como el amor robótica no es igual al amor humano, la lujuria tampoco lo es: se traduce en beats gigantescos, repetitivos, como un taladro perforando el asfalto o una motosierra industrial. Después de todo, si uno es robot, ¿de que otra manera concebiría la lujuria que como una maquina perfecta, produciendo a todo vapor y a una velocidad asombrosa? Nada de sutilezas, nada de reparos: Lick my love pump, robotress.
Lo único que se murmura en la canción es “Metal Fingers In My Body” en una voz completamente vocoderizada que no traiciona emoción alguna. Pero uno podría poner un poco de buena voluntad y escuchar gemidos de bellas doncellas robóticas en los sintetizadores podridos con los cuales los Add N To (X) completan el panorama.
(Me encantaría postear el video, que consiste en una hermosa muchacha animada involucrándose en actos antinaturales con un robot de apariencia tosca y “película clase b”, pero aparentemente no esta mas en YouTube. Abajo los prejuicios contra el amor robótico!).