Es un solo!..
El Solo de guitarra es un extraño artefacto en la música actualmente. Quizas un arte muerto, ese espacio despues del segundo estribillo donde guitarristas experimentados aprovechaban para mostrar sus habilidades. Pero en si es una técnica complicada, ya que en si armar un buen solo es una especie de mini composicion, con un buen comienzo, una sección intermedia interesante y con una resolución satisfactoria. Obvio que hay muy grandes solos y clásicos en el géneros, pero ahora, digamos, es algo que se considera completamente passé. Pero siempre hay algunos ejemplos de solos que me gustan más que nada por a) en cierta forma mantenerse en el estilo de «solo de guitarra clásico» y b) simultáneamente destruir alegremente todas las reglas dentro de ellos.
Voy a tratar de evitar nombrar algunos solos que se pasen de obvios (desde ‘marquee moon’ pasando por la obra de mascis, ira kaplan, hasta si, ‘paranoid android’) y nombrar algunos temas elegidos más bien caprichosamente con solos que me parecen geniales, o sobre algunos guitarristas sobre los que siempre quise hablar.
Richard Hell & the Voidoids – Love comes in Spurts
La leyenda sobre los solos del primer disco de los Void-ods es que Richard Hell atormento eternamente a Robert Quine para que los hiciera lo mejor posible, por lo cual grabó varios de los solos decenas de veces hasta quedar con el mejor posible. Pero logro un efecto secundario interesantísimo: La repetición hasta el hartazgo de los solos termino en un Robert Quine enojadísimo, completamente podrido, y eso se termino expresando en los solos de este disco, ataques punks furiosos y podridos, donde parece que esta atacando la guitarra de una forma poco determinada y casi aleatoria, pero donde en cada golpe le pega a las notas correctas.
Junto con Quine (que también toca en el Rain Dogs de Tom Waits), Marc Ribot es otro fucking weirdo en el mundo de los guitarristas. Nunca considerado un virtuoso, y siempre con su encare tan idiosincrático a la guitarra, el viene como anillo al dedo al mundo retorcido y repleto de chatarra del Waits de esta epoca. En «Clap Hands», un tema donde el ritmo esta llevado por todo tipo de percusion bizarra y de dudosa seriedad, el solo de Ribot parece acompañar a la percusión, metiendo la mayor cantidad de notas incorrectas de forma completamente genial, todas recortadas y filosas, de forma que se mezclan perfectamente con el resto del tema. Pero no solo eso, sino que además, es un solo que es digamos, anatómicamente clásico, hablando de estructuras de solos.
Este quizás sea el menos llamativo de la lista pero lo posteo porque a) Es un tema Genial y siempre quise escribir sobre él b) Joey Santiago es EL UNO c) El solo es muy bueno, siendo simultáneamente casi invisible.
Santiago es de esos guitarristas en al vena de Johnny Marr y algunos guitarristas surf, que parece que tuvieran un cartel sobre la cabeza que dicen «soy guitarra líder, la tengo ultra-clara, toco muy tranquilo y todo esta absolutamente bajo control». En ‘Hey’, se reduce a tocar en los estribillos haciendo ese increíble bend de solo una nota (tocada en 2 cuerdas), que es la signature de uno de los temas mas ‘vulnerables’ (o quizas el único) de la discográfica de los pixies. El solo aparece en realidad despues del primer estribillo y arranca con un arreglo de guitarra a muy bajo volumen, y despues entra con un solo muy pequeño y delicado, terminando en más bends podridos de una sola nota.
Vengo jodiendo eternamente con este solo de guitarra así que ya es hora de que lo pusiera en un post. Tanto Stephen Malkmus como Spiral Stairs tienen una forma de tocar la guitarra super interesante e idiosincrática, jugando simultaneamente con la torpeza, el minimalismo y el humor, burlandose de todos los clichés guitarrísticos posibles, y siempre usando groseras cantidades de distorsión y fuzz. Y en este último tema del Brighten the Corners, Malkmus se divierte haciendo un ridículo solo final de 2 minutos de duración, donde pasa de pasajes completamente standard, bends estúpidos, arreglos dignos de un preescolar y ataques violentisimos a la guitarra, mezclado con secciones auténticamente bonitas. Un solo completamente ‘borracho’, que resume brevemente todo lo bueno o malo de la banda. Take it or leave it.
Bernard Summer es un guitarrista escepcional en cuanto a que, comparado con algunos guitarristas «poco tecnicos» y «limitados», el es sin duda de los más cabeza y troncos que puede haber. Recuerdo sorprenderme una vez hablando con un amigo, bastante más grande que yo y fan de JD desde los 80’s, diciendome «si, todos los músicos son buenísimos, cada uno hace lo suyo genialmente, pero ta.. Summer es un guitarrista horrible». Yo quede sorprendido ya que siempre me parecia completamente genial lo que hacía. Pero, técnicamente hablando, es difícil tocar peor que Summers. Es durísimo, si uno ve un video en vivo de ellos puede ver el miedo con el que toca la guitarra y lo tosco de sus movimientos. El opuesto total de Joey Santiago o Marr, Bernard esta todo el tiempo aterrorizado y alerta, completamente atento a meter lo correcto con la limitadísima paleta con la que cuenta.
Y lo totalmente genial es que, con esas limitaciones, hace los arreglos mas económicos de la historia y siempre funcionan – algo dificilísimo, considerando tambien que no tenia a otro guitarristas para apoyarlo. Los arreglos de Ceremony, Disorder, la forma minimalista en que apoya tocando en Shadowplay y los pequeños arreglos en ese tema.. son todas ideas simplisimas que podria tocar cualquiera, pero ninguno lo hizo – solo él.
«Failures» es mi tema favorito de Joy Division para demostrar que en el fondo eran unos punk-rockers-as-fuck y le rompian el ojete a muchas otras bandas punk de finales de los setentas. En este tema Summer ejecuta varios pequeños «solos», y uno bastante largo que termina en fade-out al final. Son un ataque rapido y desesperado donde parece ir tirando lo que puede ir tirando mientras pasan los compases.
El último ‘solo’ es interesantísimo porque es demasiado largo, se pierde, y tambien esta constantemente en la búsqueda de algun riff o motif interesante, mientras vagabundea hasta que al final encuentra algo que le satisface y se queda colgado repitiendo un arreglo. O por lo menos, asi me gusta imaginármelo.
Ever felt like giving up?
Ya escribí demasiado sobre algunas canciones de Hefner en mi viejo blog, pero igual siempre vuelvo a ellas. ¿Porqué? Quizas porque tienen una forma de componer y de narrar historias que comparto mucho, y que no son tan comunes, y muchísimo menos en el extraño mundo del digamos «brit pop». Aprovechando que siempre quise hablar un poco de su ultra ninguneado último disco «Dead Media». En eset disco, la banda de Darren Hayman intenta dar su giro al pastel y hacer un disco con un sonido diferente, comprando y alquilando montones de sintetizadores y maquinas de ritmos cutres, haciendo un disco con un alto contenido electronico.
Kid A? Algo asi, en cuanto a que es giro de 180 grados en su discografica, y alieno a muchos de sus fans – y al contrario del Kid A, no vendio un carajo. Y tambien al contrario que el disco de los Radiohead, la diferencia aqui no es que escucharon musica electronica y quisieron influenciarse por ella. Los Hefner arrancaron completamente de cero.
En Hefnet podemos leer algo que Hayman estaba escuchando mucho a Joe Meek y Raymond Scott y estaba interesado en ese mundo sonoro donde se descubrian nuevos sonidos, métodos e instrumentos, y ese fue el enfoque que tomaron en Dead Media. Es digamos, un disco con un encare completamente naïf, donde parece que cada linea de sintetizador parte de «mm que interesante.. y si muevo esta perilla que ocurre?». Mientras que Radiohead suena a su música combinada con Autechre, Kraftwerk y Boards of Canada, los temas electronicos de Hefner no suenan a un carajo. O quizas si, suenen a techno-pop, en el sentido absoluto del termino («techno» como sinónimo de ‘futurista’, ese futuro tan lindo que existia en los 70s y 80s y en los 90s se fue al carajo). O sea, teletransportadores, armas a rayos y autos voladores.
«Alan Bean» es el primer single y esta basada en bueno, Alan Bean. ¿Quien es Alan Bean? Básicamente, el cuarto hombre que pisó la Luna. Algo asi como (en palabras de hayman) el Ringo Starr de los Astronautas.
Ya de por si el personaje ya seria bastante interesante, pero lo más interesanet quizas de Bean es el hecho de que despues ir a la Luna decidio dedicarse a ser Pintor. Y de que eran sus pinturas? Bueno…
Es quizas medio shockeante e irónico ver tantas pinturas sobre la misma tematica, sobre un evento particular en la vida del pintor, repetidas ad infinitum. Sobre todo considerando que el fue último, el jamas nombrado, que siempre estuvo en el casi anonimato, y que nunca más ejerció su oficio de Astronauta. Es por un lado muy extraño y por otro lado, un poco lógico, y sobre todo bastante romántico – al seguir reviviendo ese momento preciso una y otra vez.
Esta historia de prácticamente un Beatiful Loser le viene como anillo al dedo a Hayman, que la convirtio en una canción llena de Optimismo, agregandole algun detalle ficticio personal y romántico en la historia del Astronauta.
Ever felt like giving up?
I’ve felt like giving up.
But not since 1969.
I found a greater truth,
At a godly altitude,
Won’t waste another day of my life.
As we tumbled down to earth,
We felt the capsule turn,
We saw the blue skies burn.
As we splashed down in the sea,
You were praying on your knees,
It bought a change in me.
Everyone will forget soon,
The fourth man on the moon,
But I’ve got it in my mind.
I’d like to paint your eyes,
But I’ve got to paint the sky.
Going to be a painter all my life.
As we tumbled down to earth,
We felt the capsule turn,
We saw the blue skies burn.
As we splashed down in the sea,
You were praying on your knees,
It bought a change in me.
And what you didn’t see,
I’ll let you see through me.
I’m going to paint the moon for you.
Ever felt like giving up?
‘We’ve felt like giving up’
Ever felt like giving up?
‘All the time.’
Spoon Week 07: Don’t Bet The Farm On Those Roulette Tables.
Small Stakes (Kill The Moonlight)
Small stakes give you blues
But you don’t feel taken don’t think you’ve been used
Cause it’s alright Friday night to Sunday
It feels alright keeps your mind on the page
Oh yeah small stakes ensure you the minimum blues
But you don’t feel taken and you don’t feel abused
Small stakes tell you that there’s nothing can do
Can’t think big, can’t think past one or two and awright!
Me and my friends sell ourselves
Short but feel very well
We feel fine aw we feel fine
Small time danger in your mid-size car
I don’t dig the stripes but I’ll go for har mar
The big innovation on the minimum wage
Is lines up your nose but your life on the page so c’mon
Tell me I’m wrong
Small stakes will kill time
When you’re stuck in back of the line
It feels alright Friday night to Sunday
Aw it feels alright keeps your mind on the page
And small stakes bring you where you’re caught in a rut
You feel so uptight you just want to throw it all up
And small stakes leave you with the minimum blues
Can’t think big, can’t think past one or two so c’mon
¿Y que mejor canción para terminar esta semana que esta?. La primera de “Kill The Moonlight”, mi disco favorito de Spoon por lejos, me parece que es una suerte de declaración de principios para la banda y Britt Daniel.
¿Que banda de rock escribe una canción deliberadamente alabando las “pequeñas apuestas”? ¿Que grupo tiene una letra que dice “pequeño peligro en tu auto de mediano tamaño? ¿Que banda parece mas interesada por trabajar dura y consistentemente en una visión artística con la cual están comprometidos antes que en grandes golpes de efecto?. Bueno, una banda emocionante y genial como Spoon. Una banda que cree firmemente en lo que esta haciendo y que desarrolla una carrera, una trayectoria, no en el sentido que le dan el 90% de las bandas de rock actuales, como una especie de “rat race” pero aplicada al arte y la música, en lo que lo único que importa es ser mas grande, tener una oficina mas lujosa, una secretaria de piernas mas largas y un estadio mas inmenso donde tocar.
Y aquí volvemos a un concepto que me inculcó Eze, aunque lo utilizo mucho en mi conversación diaria: la cuestión de la Verdad. O sea, hay bandas que escucho y me ponen la piel de gallina, porque siento que están comunicando algo tan visceral y único, intransferible, que es una verdad que brilla frente nuestro y no podemos hacer mas que conmovernos. De eso se trata la música, creo.
Y los Spoon son la corporización de ese sentimiento: una banda que sigue sacando discos, incansablemente, hace años, sin preocuparse por la repercusión mediática ni por la crítica, solo interesados en hacer buenas canciones y modificando su sonido imperceptiblemente con cada lanzamiento, en pequeños pasos, dejando detrás un cuerpo de trabajo, una obra, que casi parece generada sin esfuerzo, solo con la idea de que hay que hacer música porque la vida se va en eso.
¿Que como suena el tema? Pfff, eso es anecdótico a veces.
Spoon Week 06: Curiosity Never Killed The Question.
Picture yourself in the living room
your pipe and slippers set out for you
I know you think that it ain’t too far
But I hear the call of a lifetime ring
felt the need to get up for it
oh you cut out the middleman
get free from the middleman
You got no time for the messenger,
got no regard for the thing that you don’t understand,
you got no fear of the underdog,
that’s why you will not survive!
I want to forget how conviction fits
but can I get out from under it?
Can I gut it out of me?
It can’t all be wedding cake
It can’t all be boiled away
I try but I can’t let go of it
Can’t let go of it,
Cause you don’t talk to the water boy
and there’s so much you could learn but you don’t want to know,
You will not back up an inch ever,
that’s why you will not survive,
The thing that I tell you now
It may not go over well
And it may not be photo-op
in the way that I spell it out
But you won’t hear from the messenger,
don’t wanna know bout something that you don’t understand,
You got no fear of the underdog,
that’s why you will not survive! (Hey!)
Esta canción es la primera que me enganchó del “Ga Ga Ga Ga Ga”, seguramente porque, superficialmente, me compraban sus trompetas. Bah, que digo, esa era la razón. Ese estribillo tan mariachi, tan optimista y esas maracas que se escuchan en los versos me encantaban, me parecía la canción mas feliz del mundo.
Pero en el último tiempo en el cual me dediqué a leer la letra siento que esta canción me identifica mucho mas de lo que pensé al principio. Porque solo puedo leerla como una canción sobre la curiosidad y sobre la capacidad de aprender de otras personas. Y si hay algo que sostengo firme junto a mi corazón es que el momento en que la curiosidad por saber y aprender se muere, se muere el cerebro.
Lean sino la letra: la primera estrofa es una descripción de un estado de aparente felicidad: pipa, pantuflas, al lado del fuego, como un buen padre de familia que finalmente consiguió lo que tanto deseaba. Pero ahí nomás entra la segunda estrofa y Britt Daniel canta que siente la necesidad de pararse siguiendo una llamada de toda la vida y que esa escena es una trampa, una falsa imagen de felicidad que lo único que enmascara es el conformismo. Y después el estribillo, en el que acusa a las personas que se conforman con no darle crédito al perdedor, a la persona menos esperada para que les enseñe algo y les dice, desafiante, confiado, hasta con bastante alegría apenas implícita, que por eso no van a sobrevivir. Es una llamada a la empatía, al hecho de que el 90% de las veces las cosas que te vuelan la cabeza vienen de los lugares menos pensados, del derrocamiento de un prejuicio, de la exploración en tierras desconocidas. Y que eso es lo que hace que la corriente corra a 220, que tu cuerpo se electrifique y que te encuentres con objetos y personas frente a los cuales la única respuesta es la emoción sin filtros.
Y es coherente que sea una canción que suene tan diferente a su catalogo. Que casi parezca una canción de los Dexy’s Midnight Runners, que intente ampliar el molde de lo que es Spoon. Pero al mismo tiempo siendo sincera, una vez mas, con los sentimientos contradictorios que esto genera. Porque como dice Britt Daniel: “quiero olvidar como la convención ajusta / pero puedo salir de abajo de ella?”.
La respuesta parecería ser: “no del todo, pero tenés que intentar con toda tu alma”.
Spoon Week 05: This Town Is Going To Break Your Heart, Boy.
I Didn’t Come Here To Die (Love Ways Ep)
All you see is the weight hung round my neck
it’s in the message you left
I love you to death
I need to get some leg and go shine my shoes
I didn’t come here to die
hoping everything’s alright
hope that everything is alright
alright
As I drive off into the night alone I can feel it all rush back
half afraid that I’ll turn back
and when you grow up here
it can feel like there’s no place else it takes so long
to get anywhere at all
cause it just goes on and
Forget that empty stomach that broken heart
and just leave here tonight
and hope it’s alright
but all you see is the weight hung round my neck
I didn’t come here today
To pull any weight
no not to pull any weight
alright
as I drive off into the sky alone I can feel it all rush back
but this kid ain’t coming back
and I been living in the sticks here for so long now
so c’mon c’mon I said
I know everything you say
I know everything you
say
Si bien pareciera que lo único de lo que hablan las canciones Spoon es de esa estúpida cosa llamada amor y la mejor manera de sobrellevarlas (lo cual, por otra parte, es el material de gran parte de la música y, en segundo lugar, quizás sea una inclinación temporal de quien escriba) me parece que lo que caracteriza a Spoon sobre todo es la facilidad que tienen para escribir canciones que lidian con temas adultos y maduros sin necesidad de volverse una parrafada moralista ni de descender a los territorios del AOR. Por momentos me da la impresión de que lo que hacen es, tranquila y pausadamente, intentar encontrar una manera de crecer y moverse por este mundo lleno de obstáculos y de ENTENDERLO, tanto a él como a sus propios sentimientos al respecto. Lo que hace la mejor música pop, bah.
Y esta es una canción que ilustra bastante bien ese punto. Es una carta de despedida que a primera vista pareciera dedicada a una mujer, pero que creo que en realidad habla de una ciudad. Como toda buena canción de escape la música tiene una propulsión digna de una buena escena de road movie. Las guitarras, ya de entrada, parecen de una canción de rock and roll clásico, y subrayan el componente mas bien jubiloso de irte de un lugar que te oprime. Desde la primera frase (“todo lo que ves es el peso alrededor de mi cuello”) Britt Daniel parecería estar diciendo que ese lugar lo constriñe, lo tira para abajo, que lo conoce demasiado y es un lugar donde jamás va a poder ser quien quiere ser, porque su identidad actual le pesa demasiado.
Es la maldición del pueblo pequeño o del lugar donde crecés y los Spoon la transmiten magníficamente: “y cuando creces aquí / sentís que no hay otro lugar donde cueste tanto / llegar a algún lado”. Pero al mismo tiempo comunican perfectamente la ambivalencia de dejar un lugar donde uno creció, la mezcla de felicidad y tristeza, de euforia y depresión. Para mi el secreto esta en la yuxtaposición de lo que dice la letra, que es bastante asfixiante y da la sensación de que lo único que le queda al narrador es huir y la música que transmite una impresión de “a la mierda con todo! este lugar apesta! uuuuuuuuooooooooooo, vamos a la carretera!”.
Pero esa ambivalencia y yuxtaposición solo pueden venir de una banda que sabe que nada es tan fácil como parece, que las decisiones cruciales de nuestras vidas no solo traen felicidad sino una gran cantidad de tristeza y que a pesar de odiarlo, somos el lugar donde crecimos y algo de cariño le debemos. Por lo tanto, toda postal de despedida será agridulce.
Y, sin embargo, es una canción que comprende lo que dice Ed Brubaker en una entrevista de hace unos días: “El problema con la gente es que no se van de donde eran para transformarse en quienes se supone que tienen que ser”.