105 tips de producción, grabación y mezcla

Bueno, todo comenzó con este tuit con una premisa muy simple. “1 tip de producción, grabación y mezcla por cada like”. La cosa se fue rápidamente de las manos y el post terminó con 184 likes a la fecha que no pude completar, pero si llegué a 105. Así que, sin muchas vueltas, acá los comparto todos con edición mínima y la informalidad que daba Twitter, principalmente para facilitar la lectura.

1- cuando uno ecualiza en entorno digital, siempre es mejor QUITAR frecuencias indeseadas contra AGREGAR material que falte.
2- es común que entre bombo y el bajo se pisen ciertas frecuencias. es recomendable en estos casos ecualizarlos dejandole aire a cada uno independientemente.
3- excepto que estés haciendo dub o algo recontra grave, cualquier cosa debajo de los 40hz empasta y no se escucha nada. especialmente en instrumentos como piano voces y guitarras, lo mejor es sacar todo lo que hay debajo de ahí.
4- las guitarras tienen un montón de información en cuanto a frecuencias. aunque uno imagine que en el rock están super fuertes y arriba de la mezcla, no es tan así, y pueden ir más bajo y bancarselas muy bien.
5- estéreo BASICS: por lo general, en el medio va bombo, redoblante, bajo, y voz. los microfonos aéreos de la bateria generan el panorama estéreo de la bateria. guitarras y otros elementos se van colocando alrededor.
6- tip básico para colocar cosas en la mezcla
cosas graves y agudas y secas = “adelante”
cosas con más medios y con reverb = “atrás”
7- para mezclar una banda o muchas pistas, siempre es muchisimo más feliz separar todo en grupos (‘bateria’ ‘bajo’ ‘coros’ ‘guitarra 1’) para poder procesar cada grupo por separado y ser una persona más feliz.
8- si estás programando baterías con la compu, mover un pelito algunos golpes del medio hace que todo quede un poco más orgánico. también darle mínimas variaciones de volúmen a cada golpe.
9- más sobre programaciones de baterías: si es un tema lento, si agarras los redoblantes y los ‘atrasas’ ligeramente, da una sensación mas pastosa y lenta que está buena. lo mismo, pero al revés, funciona para los temas rápidos (adelantar los golpes)
10- si un sonido de redoblante, bombo u otro elemento percusivo no te convence, siempre se pueden combinar varias partes de distintos sonidos para generar uno nuevo. por ejemplo agarrar los graves de un redoblante, los agudos de otro y mezclarlos para generar un sonido mejor.

11- en general, no hay que tener tanto miedo a pasarse con los efectos. es bastante difícil realmente sonar poco convencional. sin ir más lejos, uno escucha el primer disco de franz ferdinand y esta todo el sonido HECHO PIJA MAL y suena igual a un disco ‘normal’
12- cuando se graba a otros músicos, FUNDAMENTAL el ‘vamos a hacer una toma de prueba sin grabar’ pero en realidad grabarla. en esa toma en caliente sin preparación muchas veces ocurre la magia 💅
13- con sólo agregar un elemento analógico a una batería programada (un plato, una pandereta, un huevito, etc) ya le puede agregar todo un feel mucho más humano y menos ‘duro’ al beat.
14- cuando uno usa reverb, suena más natural tener un reverb general (en un bus o canal auxiliar) e ir poniéndolo como envío a distintos elementos, en vez de poner reverb separado a cada elemento.
15- las panderetas que uno escucha y les gusta estan repletas mal de reverb siempre. sino no suenan a nada.
16- el delay slapback es uno de los efectos más versatiles que quedan bien en un montón de cosas (voces, guitarras, sintetizadores). 3-4 repeticiones cada 120-150milisegundos (a piacere), con un sonido opaco, y le deja un efecto muy cool a casi cualquier cosa.
17- podes grabar una guitarra tocada como el culo y suena bien y con onda. pero no podés hacer eso ni en pedo con un bajo o una batería. a ser prolijos.
18- MENOS ES MAS. si estas metiendo 60 pistas fijate que no estés flasheando stone temple pilots o que estás en yes. sacar un elemento en un momento en vez de agregar otro causa el mismo efecto de sorpresa y que mantiene el interés del que escucha.
19- contradigamos el tip 1. Hay ecualizadores que si sirven para agregar frecuencias, generalmente basados en emulaciones de consolas y equipos viejos. En el caso de necesitar agregar brillo a un elemento, se puede usar uno de esos ecualizadores (por ejemplo eqs tipo pulteq)
20- si hay un solo de guitarra u otro instrumento, a no temer y ponerlo bien adelante en la mezcla al nivel de la voz principal que nadie nunca se quejó por que un solo estuviese demasiado fuerte.
21- ¿querés que los toms de la batería suenen más lindos? agregales graves.
22- por el amor de todos los dioses CUANDO TERMINEN DE GRABAR UNA TOMA MANTENER SILENCIO ABSOLUTO HASTA QUE CADA INSTRUMENTO DEJE DE SONAR EN SU TOTALIDAD
que después editar todos los ruiditos y ‘mierda! la cagué!’ en los aereos de la bateria es un bajón
23- para grabar baterías: lo más normal es un micrófono para cada cuerpo.
1- bateria
2- redoblante
3- tom1
4- tom2
5- overhead 1
6- overhead 2
los ‘overheads’ se dedican a grabar todo el ‘aire’ de la batería y se colocan arriba, en estéreo, equidistantes.
24- para grabar baterías II: cuando microfoneamos los toms, siempre es mejor ponerlos un poco más lejos, no tan pegados a los cuerpos. suena más lindo. alejar y mover hasta ser feliz.
25- para grabar baterías III: además del método convencional, a mi me gusta mucho el llamado ‘método glyn jones’ para grabar baterías. son un mic de bombo, un mic de redoblante, uno arriba del redoblante y otro de costado.
suena muy lindo y es más barato.
26- si hay más canales para grabar, se suele agregar un ‘room’ (un micro lejos que agrega ‘ambiente’), un segundo mic para el redoblante (abajo, para agregarle la parte ‘arenosa’ del tambor), y otro al bombo (uno adentro y uno afuera, para tener el grave y el click del golpe)
27- micrófonos:
dinámicos: como el sm57 y sm58, en general tienen más ataque, son más resistentes, se usan para en vivo, para redoblantes, bombos, etc
28- micrófonos 2:
condensadores / condenser: más frágiles y más sensibles a volumenes más chicos, se usan para voces, overheads, y tienen una respuesta más ‘amable’ en general que los dinámicos.
29- micrófonos 3:
ribbon o de cinta: son micrófonos populares en los 50s y 60s que volvieron hace poco. son opacos, con un sonido muy dulce. geniales para un par de aplicaciones (rooms, overheads, guitarra electrica, guitarras acusticas)
30- phantom power. los microfonos condensers necesitan corriente para funcionar (48v), para esto se usa phantom power que es corriente que va directamente por el cable del micrófono, que comunmente es provista por una consola o preamplificador de micrófono.
31- HACER MUSICA STARTER PACK
a) computadora
b) interfaz de audio usb o similar
c) cable canon
d) un micrófono aceptable
e) auriculares decentes
f) tecladito midi usb (opcional)
listo el pollo
32- se le dice ‘monitoreo’ a los parlantes que uno usa para escuchar y mezclar. en general tienen que ser ‘planos’ en su respuesta para que sean lo más fieles. eso no significa que suenen ‘lindos, simplemente bueno, planos.
33- para arrancar, con los parlantes que uno tenga y unos buenos auriculares uno esta en general bien. en ese caso siempre está bueno escuchar todo en otros parlantes y en otros entornos y comparar / anotar diferencias de sonido.
34- cuando uno termina una mezcla, dos buenas formas de ver si los niveles están bien son
a) escuchar bieeen bajito (casi imperceptible) con atención, y ver si todo se escucha con claridad
b) ponerlo a un volumen normal e irse a la cocina o lejos y escuchar y ver si se escucha ok
35- la psicoacústica es el peor enemigo del músico. si estás cansado, espera unas horas y volve a escuchar. o corta y escucha al otro día. fundamental los oídos frescos.
36- cuando uno escucha una mezcla de nuevo, también fundamental es apagar el monitor (la pantalla, no los parlantes je) para no hacerse la cabeza con las imagenes de las formas de onda en el DAW que escuchamos. sin imagen, solo música.
37- para sonidos de bajo muchas veces grabar la línea es suficiente. A veces para sonidos más rockeros se puede duplicar la señal y separar en dos, trabajando el material grave por un lado y los medios y agudos por otro lado.
38- en general, las guitarras distorsionadas tienen menos distorsión de lo que uno imagina. Menos distorsión implica más definición, y con eso muchas veces más agresividad.
39- muchas veces el hecho de que un instrumento suene mal e incluso sea difícil de tocar es importante y hace que lo que suene este en el espacio y lugar correcto.
40- obviedad pero no por si menos importante: si una intro de un tema no funciona, siempre se puede sacar. Nadie se quejó jamás de que un tema arranque de una.
41- falta intensidad en una guitarra rítmica? Grabala otra vez. Toca EXACTAMENTE lo mismo. Pone una en el canal izquierdo y otra en el derecho.
42- la voz de un cantante cambia mucho durante el día. No es lo mismo grabar temprano, al mediodía, o de noche. Esas diferencias se pueden usar como ventaja.
43- no es necesario que toda la banda,y todos los elementos e instrumentos cubran todo el espectro de frecuencias posibles. Los agujeros sonicos rinden mucho.
44- nunca se olviden de que Prince hizo hits funk bailables como Kiss o When Doves Cry Y NO TIENEN LÍNEA DE BAJO
45- tampoco nunca olviden que el riff iconico de Paranoid de Black Sabbath sólo suena al comienzo y NO SUENA NUNCA MÁS EN TODO EL TEMA PERO IGUAL LO RECORDAMOS DE MEMORIA
47- enlentecer o acelerar algo no solo lo hace más rápido o más lento, sino que puede abrir mucho el abanico emotivo de un fragmento musical.
48- la voz humana es un instrumento más raro que la mierda. Lo más importante es la confianza. Bowie tenía una voz rarisima. David Byrne tiene una voz rarisima. No importa, porque le meten toda la onda.
49- al armar un disco o colección de canciones, es muy útil pensarlo en dos “lados”, como si fuese un vinilo. Cada uno con su narrativa, final y comienzo.
50- unir los temas y prestarle atención a los segundos entre canción y canción es una orfebrería muy difícil y que puede agregarle ese “extra” que un buen disco necesita.
51- divertirse es importante. Aunque no se escuche al grabar, se nota.
52- querés que tu solo de guitarra suene enojado y furioso? Obliga al guitarrista a grabarlo 45 veces #ahre
53- cuidado con el cuantizado y ordenar los golpes de batería y bajo para que queden todos impecables. Acomodar esta bien, pero siempre que se acomoda algo de swing se pierde.
54- lo más importante muchas veces para que una pieza musical rinda es que se genere un cierto clima específico. Si eso se logra bien, ya está hecho casi todo el trabajo.
55- dice la leyenda que los ABBA nunca anotaban melodías o arreglos y se confiaban en su memoria. “si nos lo olvidamos, es que al final de todo no era tan bueno”
56- “no le tengas miedo a una melodía que puedas silbar” – Burt Bacharach
57- hay todo un terreno interesante y muy divertido en las guitarras que suenan como sintetizadores y sintetizadores que suenan como guitarras o cualquier travestismo similar entre instrumentos.
58- a veces hay cantantes que cantan medio corridos de la batería y del groove inicial. La voz es de los pocos instrumento que se pueden dar ese lujo. Puede funcionar y sonar bien igual.
59- aguante el error.
60- la espontaneidad es fundamental. La mayoría de las grandes canciones arrancan con un memo de mierda grabado en un celular. Ante la duda SE GRABA
61- si tenes que grabar una Pandereta que es igual durante todo el tema, ponete las pilas y grabala entera. Queda mejor.
62- para grabar palmas típicas en una canción, es bueno que la grabe gente que no es baterista ni percusionista. van a tocar ligeramente corridos y hacen que quede menos cuadradas y más divertidas (que es la gracia de las palmas!)
63- si grabás sintetizadores virtuales en la compu (vsts), fundamental también automatizar algunos parametros para que haya un movimiento, un ligero movimiento del cutoff, un cambio ligero en la envolvente, etc.
64- el ‘chorus’ puede quedar grasa y re 80s en guitarras y bajos, pero en sintetizadores muchas veces es fundamental y le agrega una profundidad al sonido que funciona bárbaro.
65- para grabar guitarras eléctricas: la formula que nunca falla es un sm57 u otro dinámico, combinado con un condenser un poco más lejos o un micro ribbon de cinta. comunmente se utiliza el royer 121 que es carísimo pero si se consigue joya.
66- siempre es importante mover el micrófono y colocarlo en distintas posiciones, grabar, escuchar, mover, hasta encontrar que es lo que se desea. en general, suena mejor no cuando se apunta al centro del cono, sino un poco más a un costado.
67- para grabar bajos: siempre grabar la línea, y se puede microfonear con un micro de bajo (akg d112 o shure beta52, por ejemplo) y algun dinamico (sm57, electrovoice re20)
68- en el ‘kit básico de microfonos’, el sm7b o el electrovoice re20 son ALTAS opciones para trabajar. muy versatiles, sirven para un montón de instrumentos, voces, y situaciones, son resistentes, no son muy caros. Con uno de ellos es suficiente, cubren ambos más o menos el mismo rango.
69- el cascade fathead es un micro de cinta barato que suena muuy bien y cubre exactamente el sonido ‘de cinta’ que es tan lindo. gran inversión.
70- NUNCA JAMAS ENCHUFES UN BAJO a un equipo de guitarra. podés desconarlo con mucha facilidad. sí podes enchufar una guitarra (o casi cualquier cosa) a un amplificador de bajo y suena joya.
71- dicho esto, los teclados y sintetizadores suelen sonar muy cool por un amplificador de guitarra limpio tipo fender.
72- agregarles un amplificador, incluso uno virtual, a los sintetizadores pueden ayudarlos a que suenen más ‘adentro’ de la mezcla en una banda donde todo está microfoneado, dándole el ‘aire’ que necesita para quede el teclado sonando alejado en un espacio abstracto.
73- también se puede jugar con ese plan y formato abstracto (en plan electronico), donde todo suena ‘seco’ y grabado por línea. se pueden lograr cosas muy piolas de esa forma.
74- hablemos un poco más de composición y música. se puede aprender muchiiiismo sacando melodías que nos gustan con una guitarra o teclado. ver los acordes, ver las melodias que hay encima, y comprender las relaciones que hay entre ambas.
75- la escala menor no tiene porque ser ‘triste’ para nada. ‘the robots’ de kraftwerk está en una escala menor. también ‘superstition’ de steve wonder.
76- la música en general suele ser más simple de lo que uno pensaba.
77- si escuchás rock viejo y sencillo, en plan stones o ac/dc, podés notar que el groove que hace mover la patita es una bateria muy bien tocada tocando algo super sencillo y las guitarras generando la sincopa. si en esos casos la batería hiciera algo más complejo, tendría muchísima menos onda.
78- la frase ‘no digas nada si lo que vas a decir no es más hermoso que el silencio’ casi se podría decir que habla sobre la música. no tenés que estar tocando todo el tiempo, por tutatis.
79- podés hacer trillones de cosas geniales con 1 acorde, 2 acordes o 3 acordes. nada más.
80- una técnica muy útil para componer arreglos de instrumentos originales es utilizar otro instrumento para eso. por ejemplo, hacer un solo de guitarra ‘cantando’ y grabando la melodía. armar la melodia de voz con un piano, etc etc.
81- cuando uno tiene la suerte de tocar muy bien un instrumento es muy fácil ir siempre a lugares comunes. por eso siempre es interesante ir a un lugar donde uno esté incómodo y trabajar desde ahí.
82- EL GEAR NO IMPORTA UN CARAJO aunque es bastante lindo. si la guitarra afina, es cómoda de tocar y suena aceptable, funciona.
83- una guitarra de 200 dolares enchufada a un amplificador de 800 dolares suena muchisimo mejor que una guitarra de 800 dolares enchufada a un amplificador de 200.
84- wattage y potencia en los amplificadores. en guitarra, si el equipo es transistorizado, con 50-65 watts tenés suficiente para tocar en vivo. si el equipo es valvular, muchas veces con 15 watts o hasta 30 watts es suficiente.
85- con los equipos de bajo el número es mucho más alto porque las frecuencias bajas necesitan mucha mas potencia para mover todo ese aire. podes remarla en un lugar chico con un equipo de 100watts, pero 200-250w es lo ideal.
86- en general, la gente ensaya y toca con los equipos demasiado fuerte. si no te escuchás bien, lo mejor es que todos se bajen un poquito.
87- lo que te parece fuerte en un momento, a los 20 minutos te parece normal de volumen. ojo con la psicoacústica de nuevo.
88- todos los equipos de guitarra suelen tener un ‘sweet spot’ o punto donde suenan lindo, y con menos volumen suenan flacos. por eso es importante tener equipos que no tengan una cantidad estúpida de volumen ya que el sweet spot puede estar muy alto y solo ser usable cuando toques en el quilmes rock. spoiler: no vas a tocar en el quilmes rock.
89- el bajo es un instrumento de ritmo. si sos bajista, quien toca la batería es TU MEDIA NARANJA.
90- frase despiadada, mala onda pero certera: en el rock, las bandas generalmente son tan buenas como su baterista.
91- no importa lo que digan, los bateristas están todos locos. pero los queremos igual.
92- la batería suena casi siempre mejor tocada fuerte. así que en el momento de grabar, hay que dejar que la persona detrás de los parches goce.
93- en una banda de rock con una o dos electricas, una guitarra folk de cuerdas de acero es muy difcíl que logre cortar en la mezcla. en esos casos lo mejor es pensarla como un instrumento percusivo, donde la pua y el brillo de las cuerdas se escuche claro y se junte con el hi-hat y los platos.
94- ningún músico ‘empeora’ o pierde su esencia por aprender rudimentos de armonía, teoría y composición. son solo herramientas para hacer las cosas que uno quiere.
95- para sacar un arreglo musical, no importa el instrumento que toques, más que tocar encima lo mejor es sentarse y escuchar atentamente, ver los intervalos, intentar escucharlos y luego de hecho eso intentar reproducirlos.
96- un gran truco de los 60s es mezclar dos instrumentos para generar un sonido particular. grabar una linea de bajo con púa y doblarla con un contrabajo, o con una guitarra tocando lo mismo una octava arriba. grabar una guitarra y luego grabar lo mismo pero la guitarra con un capo(o requinto/transportador) en otra posición y tocarlo diferente.
97- agarra la guitarra, afina una cuerda en cualquier otra nota, toca y fijate que pasa.
98- las limitaciones son lo más grande que hay. hacé una canción con un solo sintetizador. con solo una cuerda de la guitarra. con solo 3 notas. hace un tema bailable sin batería. hace un tema climático solo con elementos rítmicos.
99- ante la duda, se guarda y se archiva. ¿no te convence mucho una idea musical? un fragmento musical puede servir luego para cerrar una idea posterior. por suerte los discos externos son medio baratos.
100- es un gusto personal, pero rinde mucho que en un disco haya un tema (o dos) con una selección de instrumentos diferente, con otro sonido, más cargado o más austero que el resto. deja aire.
101- en contrapunto, a veces no hay que temer a ser aburrido, o ser constante, o insistir mucho con una idea. hay infinidad de discos que suenan todos los temas iguales, cada instrumento con el mismo sonido. logran que todo el disco suene como un viaje particular y específico.
102- las limitaciones técnicas o de conocimientos no deberían bloquear a nadie. un disco es un disco. si no sale tan bien, el segundo va a ser mejor. se hace camino al andar. sí, estoy citando a Serrat y qué.
103- si lo que hacés no se parece a nada, como mínimo es interesante.
104- es divertido confundir al oyente. que no se pueda saber si suena bien o mal a propósito, si no se sabe que instrumento está sonando, si el que canta es hombre o mujer.
105- si hacés un show en vivo con una computadora, lo importante para que el show sea entretenido y no sea ‘ver a alguien dibujando en paint’ es mantenerte realmente ocupado.


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